Актуальные направления в искусстве в своём большинстве основываются на экзистенциализме, самоанализе, идентификации себя в обществе и общества по отношению миру. С развитием технологий появляются новые инструменты, с помощью которых художник создаёт свою работу. Новые медиа, позволяющие совместить несколько техник, реализуют произведение в пространстве и во времени, что является ключевым отличием от живописи, имитирующей объём на плоскости. Видео- и саунд-арт, кинетическое искусство, VR- и AR-проекты, тотальные инсталляции, перформансы – это новая эра существования искусства, его экспонирования и взаимодействия со зрителем.
Фото на обложке: Saida Sova
На отчётной выставке участники лаборатории воображения Re-practice, прошедшей в Целинном, обратились к различным тематикам, использовав несколько методов исследования. Некоторые художники, например Найра Каражидек в видеоинсталляции «Я падаю от мира» или Ирина Дмитровская в своей работе «Dark blue», сосредоточились на индивидуальном восприятии и саморефлексии. Другие решили отойти от собственного «Я» и создали работы, где зритель стал активным соучастником (звуковые тотальные инсталляции «Комната страха» Назиры Касеновой и «Комната ожидания» Олега Эхо, а также включающая видео инсталляция «Смех и горе у искусственного моря» Саши Черезовой). Для большего взаимодействия художники даже пишут инструкции для зрителя: что ему делать, когда слушать или думать, как можно отреагировать.
«7. Когда закончится запись на магнитофоне, можете уйти.
8. А можете остаться.» (Саша Черезова)
«8. Подумать о том, что почувствовали в комнате (по желанию)» (Назира Касенова)
Они как бы дают свободу действия, но так ли это? Это рекомендации или же способ управлять зрителем, и в то же время возможность вызвать у него непредсказуемые эмоции? Но настолько ли они непредсказуемые, если авторы дают подсказку в самих названиях работ? Получается, что зритель в определенной степени находится под контролем художника.
Взаимодействие со зрителем характерно и для более ранних проектов Олега Эхо, известного своими работами с текстами. Начиная с выставки «Что хотел сказать автор зритель?» 2022 года он выходит на прямой диалог с наблюдателем. Обучение в Re-practice позволило ему создать тотальную инсталляцию «Комната ожидания», представляющую собой замкнутое помещение, залитое красным светом (отсылка к утробе матери). В воздействии на зрителя он использует средства выразительности новых медиа: цвет через рассеянное освещение, звук и полное погружение в пространство работы. Голос, отдающий эхом, подготавливает зрителя к предстоящей медиации, что, в свою очередь, уже является её частью. Художник предлагает почувствовать состояние перерождения.
Создавая инсталляции, некоторые художники, возможно неосознанно, обратились композиционно к образу алтаря. Подобная однотипность нормальна для выпускных проектов. Размышляя о ритмах и структурах, Айна Жекебатыр представила инсталляцию из разнообразных несочетающихся между собой предметов-талисманов, амулетов, что придает композиции алтарный образ. Ключевым элементом является смартфон, транслирующий видео. Использованные в его основе фото из жизни художницы, сбитые неровными ритмическими помехами, формируют вымышленное изображение.
В нижней части авторка поместила химические средства для отпугивания и борьбы с насекомыми (мухами, комарами, молью). Расположив их в форме треугольника и с определённой последовательностью, она будто создала оберег для своих воспоминаний.
Фотографии: Saida Sova
По соседству развертывается масштабная инсталляция Дамира Мухаметова, посвящённая его собственному творчеству. Однако и она имеет прообраз алтаря, включающего определенное сакральное расположение предметов, в том числе книги – основы его исследования, в которой он пытается иллюстрировать текстом изображения. Сопровождающий инсталляцию перформанс с бритьем головы можно рассматривать как акт жертвоприношения.
У Дарьи Спиваковой проект представляет собой непосредственно алтарь, состоящий из артефактов, имеющих отношение к тенгрианству и абсолютной «Пустоте». Художница предлагает сосредоточиться на природных элементах, создавая из них заключенные в прямоугольные глубокие рамы композиции. Дополнением служат фотографии, выполненные в технике цианотипии и «превращающие» изображенных людей в призраков.
Все элементы композиции располагают к медитативному состоянию, сопровождающемуся мистическим настроением, прикосновением к неосязаемому потустороннему.
Техника цианотипии увлекла многих участников проекта. Её характеристики, такие как монохномность голубого оттенка, нежная прозрачность, возможность печати на любом материале стали главными средствами выразительности в работах Жоры Кердик и Руны Рэнард. Изобретённая в 1842 году цианотипия популярна в настоящее время. Нужно понимать, что данная техника печати является лишь частью комплекса художественных методов, используемых вышеназванными авторами.
Большие возможности для современных художников открывает новый язык – язык программирования, активно применяющийся в новых медиа. Видео и звуковая инсталляция «Портал в симуляцию» Ануара Абдрахманова являются результатом программирования и исследования вопроса о природе нашего существования. Взяв за основу симуляцию Джона Конвея, созданную еще в 1970 году, Ануар Абдрахманов совершенствовал ее и дополнил звуковым сопровождением.
Фотографии: Saida Sova
Решая ряд технических задач, он создал симуляцию, демонстрирующую рождение, жизнь и смерть клеток в настоящем времени. Рождающиеся и умирающие клетки запускают музыкальную генерацию. Эти процессы непрерывны и могут длиться бесконечно. Художник также хотел добиться полного погружения. Инсталляция представляет собой прямоугольный экран (шириной около 2-х метров), обрамлённый зеркалами для создания глубины – будто мерцающие клетки существуют не на плоскости монитора программиста, а в бескрайнем пространстве вселенной.
Выставка отличается разнообразием тем и их интерпретаций. Если Ануар Абдрахманов размышляет глобально о реальности нашей жизни, то Попов Антон обращается к насущной теме антропоцена, задавая вопрос, справится ли современное общество с проблемами выживания, которые оно само себе и создаёт (ухудшающееся состояние экологии как последствия промышленной революции и дальнейших технических процессов, а также разрушающие войны). Художник создал человеческую маску и растворил её форму в городском пространстве с помощью проекции.
В настоящее время человек может комфортно существовать в разных локациях, в том числе и среди природных ландшафтов. Проблема заключается в том, что городские застройки для большинства являются преимущественными. Города продолжают разрастаться, превращаясь в человеческие «муравейники». Жителям мегаполисов ситуация не нравится, но они соглашаются на эти условия жизни, предпочитая технологический комфорт экологичности. Так в работе Попова образ человека становится призрачным среди бесконечной бетонной и стеклянной архитектуры.
Тему бытия по-своему интерпретирует Фарид Бутембаев. Его инсталляция-натюрморт с увядающими фруктами, автомобильным креслом и балансирующем на нем аквариумом берут философские истоки в традиционном искусстве о бренности вещей. Заплесневевшее старое кресло, будто поднятое со дна водоёма, даёт новую жизнь размножающимся на нем микроорганизмам. Загнивающие яблоки, наоборот, символизируют закат жизненных процессов. Мутная желтоватая вода в аквариуме, затрудняющая видимость, гармонирует с перечисленными образами. В целом инсталляция выглядит сюрреалистично, чем характеризуется его вторая работа, выполненная совместно с художницей Айной Жекебатыр.
Совмещая образы тележки для покупок и камня, перевязанного толстой веревкой, художники использовали художественный метод бельгийского сюрреалиста Рене Магритта, который в своей живописи абсурдно располагал обычные предметы. Отсылкой к его работам служит и камень – как символ природы, как символ чего-то банального, неприметного, повседневного, в то же время базового. Игра образов сопровождается игрой смыслов и слов в самом названии инсталляции «Stoneгольский синдром», что опять приводит нас к творчеству Магритта.
Через абсурд, преувеличение и болезненные точки общества Нуржан Бахыт поднимает и иллюстрирует в видео-арте актуальные проблемы города Алматы. Реклама стильных противогазов (с цифрой 1465 – официальной датой образования Казахского ханства) и чистых лёгких – далеко не самое светлое будущее, которое рисует автор уже к 2030 году. Однако ролик затрагивает вопросы и о событиях прошлого, подталкивая на размышления, как же они повлияют на будущее казахстанцев.
Иногда складывается впечатление, что художники проверяют зрителя на прочность: насколько он может совладать со своим страхом, долго ли сможет наблюдать неприятные на вид предметы или слушать гулкие, ритмические, гремящие или металлические звуки, готов ли столкнуться лицом к лицу со своими триггерами. В этом смысле выделяется работа «Qut» Айданы Досаевой.
В основе исследования-наблюдения художницы лежат взаимоотношения между близкими людьми – её родителями. Они общаются между собой, рисуют себя и друг друга. Художница поставила эксперимент, она не знала, как будут вести себя родители перед камерой, раскроются ли они через творческий аспект, в каком ключе будет развиваться их диалог. В итоге Айдана Досаева записала историю о долгих отношениях, взаимопонимании, творчестве, откровенности и любви. Видео-арт сопровождается каталогом с иллюстрациями, которые создали герои видео, а также фотографиями этого процесса.
Первую часть рецензии о выставке Re-Practice можно прочесть по ссылке. Выставка продлится в Tselinny Temporary по Желтоксан, 137 до 9 ноября.
Другие статьи на тему «Искусство»
О свободе, феминизме и уйгурской идентичности: разговор с Гузель Закир
